Música industrial es un género de música electrónica/experimental que hace uso de temas transgresivos y suele estar asociada con angustia e ira contraculturales. Aunque ideológicamente asociada al punk, la música industrial es generalmente más compleja y diversa, tanto a nivel sonoro como lírico. El término fue acuñado hacia mediados de la década de 1970 a raíz de la fundación de Industrial Records por la banda de Yorkshire (Inglaterra) Throbbing Gristle y con la creación del eslogan irónico "industrial music for industrial people" (en castellano, "música industrial para gente industrial").
Se podría decir entonces que la música industrial es una corriente artística y sonora que desafía las estructuras convencionales, mediante la deconstrucción del ruido, la tecnología y el rechazo a las melodías convencionales.
Los primeros artistas industriales experimentaron con ruidos y temas estéticamente comprometidos, tanto musical como visualmente, como el fascismo, los asesinatos en serie y el ocultismo. Su producción no se limitó a la música, sino que incluyó también arte correo, performance, instalaciones artísticas y otras formas de expresión.V.Vale. Re/Search #6/7: Industrial Culture Handbook, 1983. Entre los músicos más destacados de la música industrial están Throbbing Gristle, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire y Z'EV. Los precursores que influyeron sobre el desarrollo del género fueron proyectos como el grupo de música electrónica Kraftwerk, bandas de rock experimental y krautrock como AMM, Faust y Neu!, compositores como John Cage, escritores como J. G. Ballard y William S. Burroughs y filósofos como Friedrich Nietzsche.
Aunque el término fue inicialmente utilizado solo por un pequeño círculo de individuos asociados con Industrial Records en los 70, se amplió para incluir a artistas influidos por el movimiento original o que adoptaban la estética "industrial". Estos artistas expandieron el género al empujarlo en direcciones más ruidistas y electrónicas. Con el tiempo, su influencia se extendió, pasando la música industrial a fusionarse con otros estilos como la música folk, el ambient y el rock, fusiones que se catalogan como música posindustrial. Entre los géneros híbridos más populares se encuentran el rock industrial y el metal industrial, con grupos como Nine Inch Nails y Ministry, que llegaron a lograr discos de platino en los años 1990. El electro-industrial es un desarrollo más moderno. Estos tres géneros suelen ser conocidos simplemente como industrial.
Historia
Precursores thumb | 125px | right | Frank Zappa y Captain Beefheart en 1975, citado como inspiración por Genesis P-Orridge y Z'EV. La música industrial es un estilo experimental de música electrónica que se basa en temas transgresores y provocativos. AllMusic lo define como “la combinación más abrasiva de rock y música electrónica” que en sus inicios se presenta como una “combinación de experimentos electrónicos de vanguardia (música de cinta, música concreta, ruido blanco, sintetizadores, secuenciadores, etc.) y provocación punk."AllMusic - Explore: Industrial. Consultato il 27 febbraio 2011. Piero Scaruffi habla de una armonía de visiones entre el industrial y el punk y parte de la new wave americana, aunque aplicando una sustitución sustancial de la formación clásica de guitarra, bajo y batería en favor de instrumentos casi enteramente electrónicos. "El espíritu era rebelde y escandaloso como el punk rock, pero el sonido era difícil de clasificar dentro del panorama del rock."Industrial Music, Piero Scaruffi El género industrial combina elementos de la música clásica con la música popular, inspirándose inicialmente en el krautrock, bandas como Faust, Can y Neu! y del rock psicodélico, pero también y sobre todo de la experiencia que Lou Reed inició con su disco Metal Machine Music, de las experiencias de la música concreta de John Cage y de la música contemporánea de Karlheinz Stockhausen. El género también está influenciado por las vanguardias artísticas de principios del (como el dadaísmo, el futurismo, el situacionismo y sobre todo el performance art y Fluxus), la generación beat, especialmente William S. Burroughs y Brion Gysin, los libros de autores de la nueva ola de ciencia ficción de los años sesenta como Philip K. Dick y James Graham Ballard, la filosofía postmoderna de Jean Baudrillard, Michel Foucault, Gilles Deleuze y Félix Guattari.Vittorio Baroni, Fabio De Luca: Le Guide Practiche dei RUMORE - Elettronica, Roma, Julio de 1996
Las raíces de la ideología industrial se remontan a las tradiciones de la literatura radical y de las representaciones artísticas, que, a su vez, tienen su origen en el futurismo, que surgió a principios de siglo. De allí también surgen las tácticas y métodos industriales. Los historiadores del arte del suelen citar el teatro del absurdo protosurrealista de Alfred Jarry, Ubu Roi, inaugurado en París en 1896, como el padre del arte de la performance. Filippo Marinetti, cuyo Manifiesto Futurista se publicó en 1909, tomó el relevo provocador en su obra Roi Bombance, escrita en 1905. El deseo de provocar estaba en el núcleo del Primer Movimiento Futurista Italiano y fue luego encarnado con éxito por los dadaístas y los surrealistas. La política de los tres movimientos (futurismo, dadaísmo y surrealismo) puede haber diferido mucho en su momento, pero desde la perspectiva actual, sólo las características comunes siguen siendo importantes. Los tres movimientos fueron respuestas a las realidades de la época, y estas respuestas fueron diferentes. El futurismo opuso a la tradición el dinamismo, la tecnología y el militarismo patriótico. La visión positiva del "progreso" de los surrealistas encontró cierta resonancia entre los primeros músicos industriales. Sin embargo, mientras la mayoría de los músicos industriales (incluso los tecnófilos como Kraftwerk) tenían una visión bastante irónica y cínica de la contribución de la ciencia a la historia, los futuristas nunca se permitieron hacerlo: Marinetti celebró la revolución industrial con total seriedad y sin rastro de ironía. Las similitudes entre el dadaísmo y la cultura industrial son menos ambiguas. La furia dadaísta se inspiró en la Primera Guerra Mundial, como la mayor manifestación de la banalidad social. Su reacción tenía mucho en común con el arte industrial: era un intento de encontrar la estética donde la mayoría sólo encontraba ira. Para los dadaístas, esto significó pintura abstracta primitivista y performances en el Cabaret Voltaire de Zúrich que incluían poesía sonora sin palabras. La música industrial aborda los problemas más importantes de nuestro tiempo: la alienación social, las ilusiones creadas por los medios y presentadas en lugar de la realidad, la imposibilidad de la moralidad en una cultura en la que los símbolos morales tradicionales han perdido su poder.
Jon Savage, periodista y estudioso de las contraculturas, en la introducción de su Manual de Cultura Industrial enumera 5 puntos que resumen la actitud y el modus operandi de la escena Industrial: Autonomía organizacional: La indispensable búsqueda de circuitos alternativos en el modelo del Mail art para la circulación de ideas y producciones. Acceso a la información: La conciencia de que la batalla que se está librando por la supervivencia política en la era posmoderna depende en gran medida de la cantidad de información que se pueda hacer circular. Anti-música: La eliminación de todos los gestos, sonidos y apariencias "agradables" en un intento de reformar completamente la canción pop.. Uso de elementos extramusicales: el uso de voces e imágenes tomadas de medios oficiales, aplicando en el ámbito musical lo teorizado por William S. Burroughs como la técnica del Cut-up. Tácticas de shock: el uso de temas incómodos e impopulares.
En materia de sonido, la música industrial está influenciada por una amplia gama de géneros musicales. Según el Oxford English Dictionary, el género fue acuñado por primera vez en 1942, cuando la revista musical estadounidense The Musical Quarterly llamó a la Sinfonía n.º 2 en si mayor de 1927 de Dmitri Shostakovich, "A la Revolución de Octubre" "la marea alta de la 'música industrial'". Ferdinand Grofé (especialmente en su Sinfonía de acero de 1935) también utilizó "instrumentos" como cuatro pares de zapatos, dos escobas, una campana de locomotora, un taladro y un compresor como parte de su "música industrial". Si bien estas piezas no están directamente asociadas con la definición de un género, son una forma temprana de música diseñada para imitar el ruido de la maquinaria y la atmósfera de una fábrica.
La idea de usar el ruido como elemento musical proviene del manifiesto del futurista italiano Luigi Russolo, El arte de los ruidos, publicado en 1913. Este manifiesto artístico se inspiró en la obra de otro compositor futurista Ballilla Pratella, cuyo "Manifiesto Técnico de la Música Futurista" (1911) incluía la siguiente frase: "[La música] debe transmitir el espíritu de las masas, los grandes complejos industriales, los trenes, los transatlánticos, las armadas, los automóviles y los aviones. Todo esto debe conectarse con el gran tema central del poema: el reino de las máquinas y la victoriosa esfera de la electricidad". La propia música de Pratella, no obstante, era mucho más conservadora de lo que sugieren sus palabras. Varios años antes de Pratella, compositores clásicos más famosos habían comenzado a discutir el desarrollo de la música. En 1907, Ferruccio Busoni escribió en su Boceto para una nueva estética musical: "¿Hacia dónde debería dirigirse el siguiente paso? Hacia el sonido abstracto, la técnica libre y el material tonal ilimitado". Busoni tampoco dio ese siguiente paso, pero sí lo hicieron Schoenberg, Ives y Cowell, que experimentaron entre 1907 y 1919 con música que rápidamente se volvía disonante a través de una atonalidad creciente y (en el caso de Cowell) con nuevas formas de utilizar instrumentos antiguos. Por otra parte, es necesario mencionar a Alexander Scriabin, quien intentó crear su propio sistema musical en la década de 1920 y experimentó con la interacción del sonido y la luz. Los músicos industriales, por cierto, le han rendido homenaje: Genesis P-Orridge, por ejemplo, grabó dos piezas de gran formato en diferentes momentos, una de las cuales utilizaba principios musicales formulados por Scriabin ("Boca del caballero"), y la otra estaba dedicada a su memoria ("Scriabianism").