Nel corso della sua vita, Stettheimer espose i suoi dipinti in oltre una quarantina di mostre a New York e a Parigi. Nel 1938, quando il Museum of Modern Art inviò in Europa la prima mostra d'arte statunitense, Stettheimer e Georgia O'Keeffe furono le uniche donne la cui opera venne inclusa. In seguito alla sua morte nel 1944, il suo amico Marcel Duchamp organizzò una retrospettiva delle sue opere al Museum of Modern Art nel 1946. Si trattò della prima mostra retrospettiva del museo dedicata all'opera di un'artista donna.
Biografia
Infanzia e formazione Florine Stettheimer nacque nello Stato di New York nel 1871, figlia di Rosetta Walter, rampolla di una benestante famiglia ebreo-tedesca di New York, e Joseph Stettheimer, che successivamente abbandonò la famiglia per trasferirsi in Australia. Stettheimer crebbe tra New York e l'Europa, profondamente segnata dalla figura materna.
Stettheimer dimostrò precocemente il suo talento artistico. Tra il 1881 e il 1886, frequentò il Priesersches Institut di Stoccarda, un collegio femminile, dove prese lezioni private d'arte con la direttrice, Sophie von Prieser. Successivamente, gli Stettheimer vissero a Berlino dal 1887 al 1889, dove Florine continuò a prendere lezioni private di disegno. Viaggiando regolarmente in Europa con la madre e le sorelle Carrie ed Hettie, Stettheimer studiò storia dell'arte da autodidatta, visitando musei e gallerie d'arte in Italia, Francia, Spagna e Germania. Nel 1892, Stettheimer si iscrisse a un programma quadriennale presso l'Art Students League di New York, una scuola strutturata sul modello delle scuole d'arte private di Parigi. Durante il soggiorno in Germania aveva appreso lo stile della pittura accademica tedesca; all'Art Students League annoverò tra i suoi insegnanti Kenyon Cox, Harry Siddons Mowbray e James Carroll Beckwith, che avevano a loro volta studiato la pittura accademica francese a Parigi. Al momento del diploma, era ormai un'esperta ritrattrista e pittrice di nudi realistici, tradizionali e accademici, in entrambi i principali stili europei.
Tornata in Europa, Stettheimer visitò collezioni museali, mostre, salotti e studi di artisti. Ebbe modo di vedere le opere dei cubisti, di Cézanne, Manet, van Gogh, Morisot e Matisse anni prima dell'Armory Show, la prima grande mostra di arte moderna negli Stati Uniti. L'influenza del postimpressionismo è evidente nelle sue prime opere, dal successo altalenante, in cui si cimentò con stile e tecniche che spaziavano dal simbolismo al fauvismo al puntinismo, dando vita a una serie di opere che ricordano Lusso, calma e voluttà di Matisse.
Anni Dieci
Di grande importanza fu anche l'incontro con i Balletti russi di Sergej Pavlovič Djagilev a Parigi nel 1912. Affascinata dai costumi e dalle coreografia dei Ballets Russes, creò il libretto, i costumi e le scenografie per un proprio balletto: Orphée des Quat'z Arts. I modellini risultanti, con i loro personaggi in costume realizzati con materiali finemente cuciti e decorati con perline, mostrano movimenti teatrali, dinamici e simili a una danza, oltre a personaggi ben caratterizzati che prefigurano la sua produzione pittorica matura, emersa nel 1917. I costumi dei personaggi femminili del balletto avrebbero compreso l'uso di un materiale di recente invenzione, il cellophane.
Nel 1914, lo scoppio della prima guerra mondiale bloccò le Stettheimer a Berna, finché non riuscirono a imbarcarsi su una nave diretta a New York. Al suo ritorno in patria, Stettheimer decise di abbandonare la sua formazione accademica tradizionale per creare un nuovo stile pittorico, capace di catturare le emozioni immediate ed espressive che provava di fronte ai panorami, ai suoni e alla gente della New York del XX secolo. Le quattro donne Stettheimer si trasferirono in un appartamento sulla West 76th Street a Manhattan, dove iniziarono a tenere un salotto artistico a cui parteciparono anche Duchamp, Albert Gleizes, Francis Picabia, Marsden Hartley, Georgia O'Keeffe e altri musicisti, scrittori, poeti, ballerini ed esponenti dell'avanguardia newyorkese.
Un aspetto unico del salotto delle Stettheimer era che i loro numerosi amici e conoscenti gay, bisessuali e lesbiche non avevano bisogno di nascondere il proprio orientamento sessuale durante gli incontri come invece dovevano fare in altri salotti (come quello di Walter Conrad Arensberg), nonostante all'epoca le relazioni omosessuali fossero illegali a New York. Stettheimer mostrava spesso in anteprima i suoi nuovi dipinti agli amici del salotto, come nel caso della sua opera Soirée (1917/19), prima di inviarli alle mostre. La sorella maggiore di Stettheimer, Carrie, creava cocktail e piatti speciali per i salotti, come la feather soup. Durante l'estate, le Stettheimer organizzavano spesso feste di un'intera giornata, simili a salotti all'aperto, per gli amici nelle case estive prese in affitto. Stettheimer dipinse diversi di questi incontri in cui i membri della sua famiglia e i suoi amici si godevano le festività all'aperto, tra cui Sunday Afternoon in the Country (1917). Nel 1916 tenne alla Knoedler la sua unica mostra individuale, organizzata da Marie Sterner, moglie di Albert, nonché una delle prime galleriste donne negli Stati Uniti. La mostra comprendeva una serie di opere giovanili dell'artista di ispirazione matissiana, dipinte con colori accesi e puri, uno spesso impasto e contorni marcati. Neanche una delle sue opere venne acquistata.
Maturità artistica
Negli anni successivi, lo stile di Stettheimer si evolse in un linguaggio visivo del tutto originale, rifiutando sia il formalismo tradizionale sia l'astrazione modernista. Stettheimer trasformò il suo stile pittorico tornando all'influenza miniaturizzata, teatrale e colorata dei suoi progetti per Orphée des Quat'z Arts. Nella produzione matura di Stettheimer, ogni tela è organizzata come un palcoscenico, popolato da familiari, amici e conoscenti facilmente identificabili. Il suo uso di quella che Duchamp definiva "multiplication virtuelle" era estremamente sofisticato, con radici nei Ballets Russes e nelle idee di Henri Bergson e Marcel Proust sul tempo e sulla memoria. In tutti i suoi dipinti, a eccezione dei ritratti, Stettheimer riempiva la tela con colori primari brillanti e spesso non miscelati su uno sfondo bianco piatto, utilizzando frequentemente tecniche diverse. Tra i tratti distintivi delle sue opere c'è l'umorismo pungente, evidente nei piccoli dettagli narrativi di molte composizioni, come il chierichetto che cerca di sbirciare sotto l'abito della sposa in Cathedrals of Fifth Avenue (1931). Inoltre, Stettheimer arricchiva le sue composizioni con rappresentazioni visive di figure individualmente riconoscibili, disposte intorno a luoghi reali di rilievo e ad architetture celebri, rese in modo accurato e dettagliato.
Gli anni Venti furono il periodo più prolifico per Stettheimer. Dipinse numerosi autoritratti e ritratti di amici della propria famiglia. Al pari dei suoi contemporanei in ambito letterario come Proust e Gertrude Stein, anziché cercare di riprodurre le sembianze fisiche del soggetto, i ritratti di Stettheimer ne rivelano la personalità illustrando una combinazione delle loro abitudini, vocazioni, traguardi e contesti di vita. Nel suo Portrait of Marcel Duchamp and Rrose Sélavy, ad esempio, incluse le immagini di diversi ready-made dell'artista, oltre al suo alter ego femminile, Rrose Sélavy. Barbara Bloemink ha ipotizzato che Duchamp abbia basato su Stettheimer il personaggio di Rrose Sélavy, immortalato in una fotografia del 1920-21 scattata da Man Ray. L'artista dipinse anche ritratti singoli delle sorelle e della madre, oltre a un autoritratto in cui indossa un basco da artista, è avvolta nel cellophane e indossa una mantella con ali rosse, mentre vola verso l'alto in direzione del Sole.
Stettheimer dipinse inoltre diverse opere monumentali che affrontavano temi controversi, come Asbury Park South, che mostra persone afroamericane intente a godersi una nota spiaggia segregata del New Jersey. Il dipinto è uno dei primissimi lavori di un artista statunitense bianco in cui i personaggi afroamericani sono dipinti con gli stessi tratti non caricaturali delle figure caucasiche. In Lake Placid (1919), Stettheimer ritrasse se stessa e amici di varie religioni (inclusi ebrei e cattolici) mentre trascorrevano una giornata a Lake Placid, una località nota per il suo antisemitismo.
Anni Trenta e Quaranta Nel 1934 l'opera lirica Four Saints in Three Acts, composta da Virgil Thomson su libretto di Gertrude Stein, fu portata al debutto a Hartford con un cast composto interamente da cantanti afroamericani e con scenografie e costumi firmati da Stettheimer. Nonostante le recensioni contrastanti dell'opera, unanime furono le lodi per il lavoro di Stettheimer.
Tra la fine degli ani Venti e i primi anni Quaranta si dedicò inoltre alla creazioni di una serie composta da quattro tele monumentali, dedicate ad altrettanti "santuari secolari" della New York moderna: Broadway, Wall Street, la Fifth Avenue e "le cattedrali dell'arte", volta a rappresentare l'elitismo e le lotte intestine tra il Museum of Modern Art, il Metropolitan Museum of Art e il Whitney Museum of American Art. Continuò a lavorare a quest'ultima tela fino a poche settimane prima della morte, quando le forza l'abbandonarono e fu costretta a lasciare incompiuto l'ultimo dipinto.
Florine Stettheimer morì di cancro l'11 maggio 1944 al New York Hospital, circondata dalle sorelle. Duchamp organizzò per lei una grande retrospettiva al Museum of Modern Art, la prima che il museo dedicò interamente a un'artista donna. Nel corso della sua vita scrisse anche numerose poesie, pubblicate postume nel 1949 nella silloge Crystal Flowers.
Femminismo
Tra gli anni 1890 e 1910, Stettheimer si dedicò a flirt e relazioni romantiche, e i suoi dipinti, diari e poesie rivelano la sua ammirazione per l'anatomia maschile. Tuttavia, dimostrano anche che si opponeva strenuamente all'idea del matrimonio, credendo, come molte femministe, che limitasse la libertà delle donne e interferisse con la creatività. Indossava pantaloni alla turca bianchi che, all'epoca, erano portati solo da femministe e suffragette, e che le garantivano inoltre una maggiore libertà di movimento nel lavorare su tele di grandi dimensioni. Durante gli anni trascorsi in Europa, Stettheimer e le sue sorelle andavano alla ricerca di produzioni teatrali che presentassero temi femministi e interpreti femminili. Tra i volantini presenti negli album di ritagli di famiglia c'è una copia degli atti del Primo Congresso Femminista Internazionale tenutosi a Parigi nel 1896.
Nel 1915, all'età di 45 anni, Stettheimer dipinse un autoritratto nudo a grandezza superiore al naturale, A Model (Nude Self-Portrait). Unendo elementi di celebri nudi del passato che avevano destato scandalo, tra cui l'Olympia di Manet e la Maja desnuda di Goya, l'autoritratto nudo di Stettheimer è uno dei primi autoritratti di nudo realizzati da una donna nella storia dell'arte occidentale. Con in mano un mazzo di fiori posto sopra i peli pubici, l'espressione umoristica e beffarda di Stettheimer nel ritratto contrasta nettamente con i dipinti tradizionali di nudo, rendendolo a oggi il più antico autoritratto di nudo apertamente femminista che si conosca realizzato da una donna.
Dipinse diverse opere dai contesti insoliti e orientati al mondo femminile, come il monumentale lavoro del 1921 Spring Sale at Bendel's (nel quale catturò con ironia donne facoltose dalle diverse corporature mentre provavano abiti in un costoso grande magazzino) o Natatorium Undine, che ritrae donne nude su carri allegorici o intente a nuotare su gusci d'ostrica. Sulla destra, operando un'inversione di genere rispetto ai soggetti tradizionali, un gruppo di donne danza attorno a un affascinante istruttore di ginnastica che ammirano per il suo aspetto fisico.
Note
Altri progetti
Collegamenti esterni
Categoria:Ebrei statunitensi