芸術（げいじゅつ、旧字体：藝術）とは、創作・表現・鑑賞を通じ、美的・感性的な経験や価値を生む活動である。文学、音楽、美術、演劇、舞踊、映画を始め多様な分野と関連があり、作品として残るものだけでなく、演奏、上演、身体表現、儀礼、パフォーマンスのように時間的・身体的に展開されるものも含まれる。
芸術的な制作や表現は古代から世界各地に存在したが、文学・音楽・美術などを包括する類概念としての芸術は、18世紀中葉の西欧で形成された近代的概念である。西欧語の art、ars、technē は、もともと技術・技能・学問を広く含む語であり、近代以前には現在の「芸術」と「技術」「工芸」「学芸」は明確に分離されていなかった。
日本語の「芸術」も古くからある語であるが、近世以前には主として学芸・技術・武芸などを意味した。明治期に西洋語の art などの訳語として、現在の意味での「芸術」が用いられるようになったが、明治初期には「美術」も芸術一般の訳語として用いられた。現在のように「芸術」と「美術」を区別する用法が定着したのは、明治30年（1897年）前後とされる。
芸術はしばしば美の創造や享受と結びつけられてきたが、その目的や機能は美に限られない。宗教的・儀礼的機能、社会的記憶の保存、教育、娯楽、批評、共同体の形成、個人的感情の表出など、芸術は時代や社会に応じて多様な役割を担ってきた。また、近現代には前衛芸術、反芸術、コンセプチュアル・アート、メディア芸術などを通じて、芸術作品の物質性、美、作者性、鑑賞者の役割、制度的条件そのものが問い直されており、芸術の範囲や定義は歴史的・文化的・制度的に変化し続けている。
語義と語源 西洋語における art・ars・technē 英語・フランス語の art、ドイツ語の Kunst、イタリア語・スペイン語の arte は、現在では芸術を指す語として用いられるが、語源的には技術・技能・制作・知と深く結びついている。art や arte はラテン語の ars に由来し、ars は古代ギリシア語の technē の訳語として用いられた。また、Kunst は技術的能力に関わるドイツ語の動詞 können と関連する語である。
古代ギリシア語の technē は、近代語の「テクニック」に連なる語であり、「制作」や「技術」を意味した。この語は、単なる経験ではなく、一定の知に基づいて個別の作物を制作する能力を含んでおり、現代の「芸術」と「技術」の双方に関わる広い領域を指していた。ラテン語の ars もまた、職人的技能だけでなく学問的な知を含む語であり、中世の自由七科を意味する artes liberales にもその性格が表れている。
このため、西洋語の art を、現代日本語の「芸術」と単純に同一視することはできない。近代以前の art、ars、technē は、現在の芸術だけでなく、学問、技術、工芸、職能、制作の知を広く含んでいた。佐々木健一は、ars や technē が学問と技術の二つの意味を内包している点を、漢語の「藝術」が本来、学問と技芸を指したことと近似するものとして説明している。
近代ヨーロッパでは、18世紀中葉以降、文学、音楽、美術などを包括して一つの領域とみる考え方、すなわち類概念としての芸術が成立した。この近代的概念は、当初「美しい art」として、フランス語の beaux-arts、英語の fine arts、ドイツ語の schöne Künste などによって表現された。ここでは、芸術を他の技術や実用的制作から区別する核心として、美的価値の実現が重視された。やがて18世紀末以降には、形容詞を伴わずに art だけで芸術を指す用法も定着していった。
日本語における「芸術」 日本語の「芸術」は、近代以前から存在した語である。『日本国語大辞典』は、「芸術」を、第一に「学芸と技術」、第二に「武芸と技術」、第三に「鑑賞の対象となるものを人為的に創造する技術」およびその作品と説明している。続日本紀、玉塵抄、風来六部集などに見られる近世以前の用例では、「芸術」は今日のように文学、音楽、美術などを包括する近代的な芸術概念ではなく、学芸、技術、武芸、技能を広く含む語であった。
明治期になると、西洋語の art などを翻訳する過程で、「芸術」は近代的な意味を獲得していった。日本大百科全書は、明治5年（1872年）以後、「美しい art」に対応する訳語として「美術」が芸術の意味で用いられたと説明している。一方、最初に訳語としての「芸術」を用いたのは、1883年（明治16年）の中江兆民とみられる。
『日本国語大辞典』の語誌によれば、近世までは「芸術」はもっぱら「学芸・技術」の意味で用いられたが、明治期に西洋文化の摂取が進むなかで、英語の art その他、美の表現・創造を共通の概念とするヨーロッパ諸語の訳語として、現在の意味が現れた。ただし、明治初期には同じ訳語として「美術」を用いることが一般的であり、「芸術」が新しい意味で定着するのは、ほぼ明治30年（1897年）前後である。
このため、日本語の「芸術」を理解する際には、古くからの「学芸・技術・武芸」としての語義と、明治期以降に西洋語 art の訳語として定着した近代的語義とを区別する必要がある。また、「美術」は現在では主に視覚芸術・造形芸術を指す語となり、「芸術」はそれより広い総称として用いられるようになった。
「藝術」と「芸術」の表記 「芸術」は、旧字体では「藝術」と書く。ただし、佐々木健一は、「藝」と「芸」は本来別々の文字であり、「芸」を「藝」の略字として用いるのは本来は正しくないと説明している。歴史的には「藝術」という語そのものは『後漢書』にも用いられた古い語であり、学問と技芸を指していた。
現代日本語では、常用漢字表記として一般に「芸術」と書かれる。一方、歴史的資料、旧字体表記を重視する文脈、固有名詞、書名などでは「藝術」と書かれることもある。本記事では、原則として現代の一般的表記である「芸術」を用いる。
定義をめぐる問題
芸術の定義は、時代・地域・思想・制度によって変化してきたため、一義的に定めることが難しい。近代以降の西欧では、芸術を「美的価値の実現」と結びつけて理解する考え方が有力になった。18世紀には諸芸術を統一的に捉える試みが生じ、美・芸術の原理学としての美学が成立する過程で、芸術を他の技術から区別する核心として「美的価値の実現」が確認された。
芸術を芸術たらしめる契機としては、「わざ」「知」「作品」の三つが挙げられ、これらが technē、ars、art の主要語義に対応する。この見方では、芸術は単なる技能でも、概念的知識でも、完成した物体としての作品だけでもなく、制作の能力、体得された知、鑑賞を通じて開かれる作品世界の総合として理解される。
しかし、現代の芸術には、必ずしも美の創造や享受だけを目的としないものも含まれる。前衛芸術、反芸術、コンセプチュアル・アート、パフォーマンス、メディアアートなどは、作品の美しさよりも、行為、概念、制度批判、鑑賞者への問いかけを重視する場合がある。そのため、芸術を単純に「美しいものをつくる活動」と定義することは困難である。
また、芸術を人類学的・進化論的に検討したエレン・ディサナヤケは、芸術を特定の作品や審美的性質だけでなく、制作と経験の双方を含む人間の一般的行動として捉える視点を提示した。ディサナヤケは、近代西洋の「Art」観が特定の時代・地域に固有の文化的概念であり、これをそのまま先史時代や非西洋文化の造形・儀礼・身体表現に適用することには注意が必要であると論じている。
芸術と美
芸術は長く美と結びつけて理解されてきた。世界大百科事典は、美を感性がとらえる精神的価値とし、日常に現れる美ははかなく消えやすいものであるため、芸術は美をとどめるだけでなく、新たに創造するものとして登場すると説明している。この考え方では、芸術は美的価値を作品の形に結晶させ、鑑賞者がそれを経験するための営みである。
もっとも、美は芸術だけに存在するものではない。自然の景観、人間の身体、日常の出来事、人間関係の感動などにも美は見いだされる。また、芸術作品が表す価値は美だけではなく、真、善、聖、悲劇性、滑稽、崇高、醜、恐怖、違和感などを含むことがある。日本大百科全書は、芸術美は真や善や聖などの価値を排除するものではなく、それらの表現のうえに達成される作品存在の質であると説明している。
このため、芸術と美の関係は密接ではあるが、同一ではない。美は芸術の重要な契機であり続けてきた一方で、近現代の芸術は、美そのものを疑問視したり、従来の美の基準を破壊したり、作品の制度的・概念的な条件を問う方向にも展開してきた。
技術・工芸・デザインとの関係
芸術は語源的には技術と深く結びついている。ギリシア語の technē、ラテン語の ars は、もともと制作、技能、技術、学問を広く含む語であった。したがって、近代以前には、芸術と技術、芸術と工芸、芸術と学芸は現在ほど明確に分離されていなかった。
ブリタニカ国際大百科事典は、芸術は本来的には技術と同義で、ものを制作する技術能力を意味したが、今日では美的な物体・環境・経験をつくりだす人間の創造活動、またはその成果を指すと説明している。また、陶芸、建築、金属細工、広告などは、美の追求と実用的目的を兼ねる表現様式であり、芸術は純粋に美を追求するものと、単純に実用性を求めるものとの中間に位置することがある。
このため、芸術と工芸、芸術とデザイン、芸術家と職人の区別は、常に明確なものではない。ある陶器や織物は、日用品としての実用性をもつと同時に、美的価値を備えた作品として鑑賞されることがある。建築や服飾、家具、広告、グラフィック・デザインなども、実用性・機能性・市場性をもちながら、芸術的表現として評価される場合がある。
一方で、近代の美術制度や美学は、芸術を実用的技術や職人的制作から区別し、創造性、自律性、独創性、美的価値を重視してきた。この区別は、芸術の社会的地位を高める一方で、工芸・装飾・デザイン・民俗的制作・非西洋文化の造形を低く見る価値判断にもつながってきた。そのため、現代では芸術と工芸・デザインを固定的に分けるのではなく、歴史的・制度的に形成された区別として捉えることが重要である。
作者・作品・鑑賞者
近代以降の芸術概念では、芸術家が作品を創作し、鑑賞者がそれを受容するという関係が重視されてきた。絵画、彫刻、文学作品、楽曲、映画などは、一般に作者によって制作された作品として理解され、鑑賞者は作品を通じて美的・感覚的・思想的経験を得る。
しかし、芸術は単に作者の意図を作品に写し取るだけのものではない。作品は、素材、形式、媒体、制作技術、展示・上演の場、鑑賞者の解釈、社会的文脈によって意味を変える。音楽や演劇、舞踊、パフォーマンスのように、作品が上演や実演を通じてその都度成立する芸術もある。また、民俗芸能や儀礼芸術のように、個人の作者よりも共同体の継承や実践が重視される場合もある。
芸術作品の世界は作者の個性を刻印した「作者の世界」である一方、作者の意図を超えた可能性をはらみ、鑑賞者の解釈によって現実化されるものである。このため、芸術作品は作者の意図だけに還元されるものではなく、鑑賞者の解釈を通じて多様な意味を生み出すものでもある。
芸術の鑑賞は、感覚的な反応だけでなく、作品が属する伝統、ジャンル、様式、約束事への理解にも左右される。ディサナヤケは、芸術への反応には、リズム、強弱、緊張と解放などへの身体的・感覚的反応と、作品が属する「コード」や期待の型への習熟にもとづく反応があると整理している。
日本大百科全書は、近世以後の芸術概念の中心に作品があった一方で、現代の前衛芸術には作品概念そのものを攻撃する傾向があると説明している。このような動向は、作品を静的な対象として捉えるのではなく、行為、過程、環境、関係性、解釈の可能性を含むものとして捉え直す契機となった。
芸術作品と制度
ある対象や行為が芸術とみなされるかどうかは、その物自体の性質だけで決まるとは限らない。美術館、劇場、出版社、批評家、学芸員、教育機関、芸術市場、国家や自治体の文化政策、賞や展覧会などの制度も、芸術作品の成立や評価に大きく関わる。
同じ物体であっても、日用品として使われる場合と、美術館に展示される場合とでは、異なる意味をもつことがある。20世紀以降の前衛芸術や反芸術は、この制度的条件を強く意識し、何が芸術作品であるかを問い直してきた。既製品、身体行為、偶然、記録、概念、観客参加、デジタル情報などが芸術の媒体となることで、作品の範囲は拡張されてきた。
このような状況では、芸術作品は単なる美的対象ではなく、社会的・制度的・解釈的な関係のなかで成立するものとして理解される。芸術の定義をめぐる問題は、美的性質だけでなく、作品を取り巻く制度、鑑賞者の解釈、時代ごとの価値判断を含んでいる。
芸術創作の理論
芸術創作をどのように理解するかについては、古代から多様な理論が提示されてきた。世界大百科事典は、芸術の特質は創作の機構に最もよく現れるとし、古来の創作論を大きく、模倣説、表出説、形成説の三つに分けている。これらは互いに排他的なものではなく、芸術作品の成立を異なる側面から説明する理論である。
模倣説
模倣説は、芸術創作の本質を現実の事物や行為の模倣、再現に見る考え方である。ギリシア語のミメーシス（mimēsis）は、模倣または再現を意味し、古代ギリシア以来、芸術を理解する中心的概念の一つであった。
模倣説における模倣は、単なる真似を意味するだけではない。絵画や彫刻が人物や自然の外形を再現する場合、その目的は対象の姿を写し取ることにとどまらず、対象の背後にある性格、本質、秩序、運動、感情を捉えることにもある。世界大百科事典は、模倣説を最も歴史の古い芸術観とし、模倣は創造と反対の真似ではなく、事物の再現という積極的な意味で理解されるべきものだと説明している。また、も、古代ギリシアのミメーシスを、単純な複写ではなく、舞踊・音楽・詩・演劇的身振りを含む広い再現・表現概念として整理している。
アリストテレスの『詩学』は、模倣説を代表する古典である。アリストテレスは、悲劇、叙事詩、喜劇、音楽などを、それぞれ異なる媒体・対象・方法によって行われる模倣として捉えた。模倣説は、とくに絵画、彫刻、文学、演劇など、対象や行為を再現する芸術の理解に大きな影響を与えた。
ただし、すべての芸術を模倣によって説明できるわけではない。音楽、建築、抽象絵画、装飾、現代のコンセプチュアル・アートなどは、外界の対象を再現することを主目的としない場合がある。このため、模倣説は芸術創作の重要な理論である一方、芸術全体を説明するには限界をもつ。
表出説
表出説は、芸術創作の本質を、作者の感情、気分、精神、個性、内面的経験の表出に見る考え方である。模倣説が外界の対象や行為の再現を重視するのに対し、表出説は作者の内面が作品に現れることを重視する。
世界大百科事典は、芸術は模倣芸術に尽きず、音楽や建築を模倣によって語りきることはできないため、近代には個人の感情や気分の表出こそ芸術全般に行きわたる創作の本質とする表出説が力説されるようになったと説明している。西欧ではルネサンス以降、個性豊かな芸術家が独自の表現を開拓してきたため、この見方は近代的な芸術家像と結びついた。
表出説は、ロマン主義以降の芸術観と深く関係している。芸術は、外界を正確に写すものではなく、作者の内的世界、感情、想像力、精神の働きを形にするものだと考えられた。この考え方は、抒情詩、音楽、抽象芸術、表現主義などを理解するうえで重要である。
もっとも、表出説的な芸術観は近代西欧に限られない。世界大百科事典は、中国や日本における書や水墨画の評価には、一点一画に単なる技巧以上の人格や精神性の深みを認める態度が見られると説明している。この点で、表出説は東アジアの書画観とも接続しうる。
ただし、芸術作品を作者の内面表出だけに還元すると、作品の形式、素材、技術、受容、社会的文脈を軽視することになる。また、民俗芸能、共同制作、建築、デザイン、儀礼、匿名的な伝統芸術などでは、個人作者の感情表出を中心に置く説明が十分でない場合もある。
形成説
形成説は、芸術創作を、模倣や表出にとどまらず、素材や媒材を通じて新しい形式をつくりだす営みとして捉える考え方である。模倣説は外界の対象を、表出説は作者の内面を重視するが、いずれも「表すべきもの」があらかじめ存在するという点では共通している。これに対し、形成説は、芸術創作の核心を、表現の過程で独自の形式が成立することに見る。
世界大百科事典は、芸術創作は単なる表現ではなく、表現に際して新たに独自の形式をつくりだす営みでなければならないとするのが形成説であると説明している。ここでいう形式とは、単なる外形ではなく、主題、素材、構成、リズム、色彩、音、言葉、身体、空間などが組織され、一つの作品世界を成り立たせるあり方である。
形成説では、芸術家は単に外界を写すのでも、内面を吐露するのでもなく、素材を扱い、媒材の特性に向き合いながら、作品固有の秩序をつくりだす。世界大百科事典は、作品の形成には、何を表現するかという題材と、何を用いて表現するかという媒材の二つが必要であり、芸術家は媒材を思いのまま扱えるようになるまで厳しい修練を経る必要があると説明している。
形成説は、抽象絵画、音楽、建築、デザイン、映画、写真、デジタルアートなど、再現や感情表出だけでは説明しにくい芸術にも適用しやすい。とくに近現代には、新しい媒材や技術の登場によって、新たな芸術形式が生み出されてきた。印刷、写真、映画、ラジオ、テレビ、コンピュータなどは、それぞれ芸術表現の媒体を拡張した。ただし、新しい媒材を用いること自体が、直ちに新しい美的価値の創造を意味するわけではない。
三説の関係
模倣説、表出説、形成説は、それぞれ芸術創作の異なる側面を説明している。模倣説は外界や行為の再現を、表出説は作者の内面や精神性の表出を、形成説は媒材を通じた形式の創造を重視する。
現実の芸術作品では、これらの要素が重なり合うことが多い。肖像画は人物の外形を模倣しながら、作者の解釈や感情を含み、同時に画面構成・色彩・筆触によって独自の形式をつくる。悲劇や小説は人間行為を模倣しつつ、作者の思想や感情を表し、言語や構成によって作品世界を形成する。音楽や抽象芸術は、外界の再現よりも表出や形成の側面が強い場合がある。
このため、三説のいずれか一つだけで芸術全体を説明するのではなく、芸術作品を「体験の表現が形式として形成されたもの」として捉えることができる。世界大百科事典も、模倣・表出・形成の三説を総合し、作家による「体験の表現の形成」が芸術作品の基本構造であると整理している。
芸術概念の歴史
今日の「芸術」は、文学、音楽、美術、演劇、舞踊、映画などを包括する概念として用いられる。しかし、このような意味での芸術概念は、古代から一貫して存在したものではない。芸術的な制作や表現は古代から世界各地に存在したが、それらを「芸術」という一つの領域にまとめる考え方は、歴史的に形成されたものである。
日本大百科全書は、芸術現象そのものは洋の東西を問わず古代から存在したが、文学・音楽・美術などを包括して一つの領域とみる類概念としての芸術は、18世紀中葉の西欧で成立したものだと説明している。したがって、先史時代や古代、非西洋文化の造形・音楽・儀礼・演技を扱う場合にも、近代西欧で成立した「芸術」概念をそのまま過去や他文化に投影しない注意が必要である。
古代の技芸とミメーシス
古代ギリシア語の technē は、現在の芸術だけでなく、制作、技能、技術、知識、方法を広く含む語であった。絵画や彫刻だけでなく、医術、建築、測量、農業、弁論、軍事など、一定の知識や技法にもとづいて何かをなしとげる能力が technē と呼ばれた。
また、古代ギリシア初期の芸術的実践は、近代的な意味での絵画・彫刻・音楽・舞踊・詩といった分野に明確に分かれていたわけではなかった。タタールキェヴィチは、初期ギリシアにおける詩・音楽・舞踊の結合した形態として （choreia）を重視し、そこでは歌、身体運動、リズム、共同体的・宗教的実践が結びついていたと整理している。このような古代的実践は、近代的な芸術分類が歴史的に形成されたものであることを示している。
この時代に、現在の芸術に比較的近い領域を説明する概念として重要なのが、ミメーシスである。ミメーシスは模倣または再現を意味し、詩、演劇、絵画、彫刻などを理解する中心的な概念となった。タタールキェヴィチは、古代ギリシアにおける （mimēsis）を、単純な模写や複製ではなく、舞踊・音楽・詩・演劇的身振りを含む再現・表現の概念として整理している。
日本大百科全書は、古代ギリシア人が「ミメーシスのテクネー」によって、ほぼ芸術に対応する領域を定義していたと説明している。ただし、ここでの芸術理解は、近代的な「美的芸術」ではなく、行為や対象の再現、秩序だった制作、学習可能な技法と結びついていた。
プラトンは、芸術的模倣を真理から遠ざかるものとして批判的に扱うことがあった。一方、アリストテレスは『詩学』において、悲劇、叙事詩、喜劇、音楽などを、それぞれ媒体・対象・方法の異なる模倣として論じた。
中世の自由学芸と機械技芸
ラテン語の ars は、ギリシア語の technē の訳語として用いられ、技術・技能だけでなく、学問や体系化された知を意味する語でもあった。中世ヨーロッパでは、文法・修辞学・弁証法からなる三学と、算術・幾何・天文学・音楽からなる四科を合わせた自由七科が、artes liberales、すなわち自由学芸と呼ばれた。
この分類では、音楽は数的秩序に関わる学問として自由学芸に含まれたが、絵画、彫刻、建築などは、しばしば手仕事や職人的技術に近いものとみなされた。中世の造形物、聖堂建築、写本装飾、聖像、聖歌、典礼劇などは、今日では芸術作品として鑑賞・研究される。しかし、それらは同時代には、宗教的実践、礼拝、教育、権威の表象、共同体の儀礼と深く結びついており、近代的な意味での自律した芸術作品とは異なる文脈に置かれていた。
ルネサンスと芸術家像の形成
ルネサンス期には、絵画、彫刻、建築などの地位が大きく変化した。ルネサンス美術は、自然への関心、古典学芸の復興、人間をより個別的・現実的に捉える見方のもとで展開し、人物表現、空間表現、古代作品の研究などを通じて、視覚芸術の方法を大きく変化させた。これらの制作は単なる手仕事ではなく、知的構想、数学的知識、自然観察、遠近法、人体理解、古典古代の教養を必要とする活動として評価されるようになった。
世界大百科事典は、建築をはじめ自由学芸に数えられなかった職人的技術の地位を高めたのは、ルネサンスの巨匠たちであったと説明している。この変化のなかで、絵画・彫刻・建築は、イタリア語で arti del disegno、すなわち「ディセーニョの諸技芸」として把握された。ジョルジョ・ヴァザーリは、disegno を建築・彫刻・絵画に共通する根本的契機として位置づけた。ここでの disegno は、単なる図案や素描ではなく、作品を構想し、形を与える知的能力を含む概念であった。
ルネサンス以降、芸術家は単なる職人ではなく、創意、学識、個性を備えた人物として位置づけられるようになった。人文主義は、芸術家を匿名的職人から知的営為を行う個人へと変え、また商人層の発展が新しいパトロンをもたらし、肖像や同時代の生活場面など新たな主題を求めるようになった。パトロン、宮廷、都市、教会、アカデミー、収集家の存在も、芸術家の社会的地位や作品の評価に影響を与えた。これにより、近代的な「芸術家」像と「芸術作品」概念が形成される基盤が整えられた。
18世紀における美的芸術の成立
18世紀は、近代的な芸術概念が成立する重要な時期である。それ以前にも詩、音楽、絵画、彫刻、建築などは存在していたが、それらを美的価値にもとづいて一つの領域としてまとめる考え方は、この時期に明確になった。
日本大百科全書は、文学、音楽、美術などを包括して一つの領域とみる類概念としての芸術が、18世紀中葉の西欧において成立したと説明している。この近世的概念は、フランス語の beaux-arts、英語の fine arts、ドイツ語の schöne Künste、すなわち「美しい art」「美的芸術」として表現された。
この時期には、芸術は科学や実用的技術から区別され、鑑賞、美的経験、趣味、天才、想像力、自律性などの概念と結びつけられていった。また、絵画、彫刻、建築、音楽、詩、舞踊などを共通の「芸術」として分類する試みも行われた。これにより、近代的な芸術体系と美学的思考の基礎が形成された。
19世紀の芸術観と芸術の自律性
19世紀には、18世紀に成立した「美的芸術」の概念が広まり、英語やフランス語の art などは、形容詞を伴わずに芸術一般を意味する語として用いられるようになった。この時期、芸術はしばしば自律的な領域として理解されるようになった。ロマン主義は、芸術を作者の個性、感情、想像力、天才の表現と結びつけた。芸術家は、規則に従う職人ではなく、独自の内面世界を表現する創造的主体として位置づけられた。
一方で、19世紀には「芸術のための芸術」という考え方も広がった。これは、芸術を道徳、宗教、政治、実用目的から切り離し、芸術それ自体の価値を重視する立場である。ただし、19世紀の芸術観は一様ではない。芸術を社会、民族、時代、環境の反映として理解する考え方や、芸術を歴史的発展の中で捉える考え方も現れた。また、美術館、アカデミー、展覧会、批評、出版、芸術市場などの制度が発展し、芸術作品の価値や評価は制度的な枠組みの中でも形成されるようになった。
日本語における近代的「芸術」概念の成立
日本語の「芸術」は、近代以前から存在した語であるが、現在のような意味で用いられるようになったのは明治期以降である。日本国語大辞典によれば、「芸術」は近世まではもっぱら「学芸・技術」の意味で用いられたが、明治期に西洋文化の摂取が盛んになると、英語の art など、美の表現・創造を共通概念とするヨーロッパ諸語の訳語として、現在の意味が現れた。
明治初期には、現在の「芸術」に近い意味で「美術」が用いられることが多かった。日本大百科全書も、日本では明治5年以後、「美術」が芸術の意味で用いられ、芸術と美術の区別が定着したのは明治30年以後であるとする。また、訳語としての「芸術」を最初に用いた例として、明治16年（1883年）の中江兆民が指摘されている。
このため、日本語の「芸術」概念は、西欧語の art、beaux-arts、fine arts などの翻訳を通じて形成された一方で、既存の「芸」「術」「学芸」「技芸」「芸能」「芸道」「美術」などの語との関係の中で再編された。
20世紀の前衛芸術と芸術概念の拡張
20世紀には、芸術概念はさらに大きく拡張された。写真や映画は、当初から芸術として自明に認められたわけではなく、技術的記録や娯楽、産業との関係の中で評価をめぐる論争を伴った。日本大百科全書は、近い過去を振り返っても、写真や映画が芸術であるか否かは論争を呼ぶ事柄であったと説明している。
20世紀の前衛芸術は、芸術作品の物質性、美、作者性、技術、展示制度、鑑賞のあり方を問い直した。ダダイスム、シュルレアリスム、抽象絵画、レディ・メイド、コンセプチュアル・アート、パフォーマンスアート、インスタレーションなどは、絵画や彫刻を中心とする従来の芸術観を揺るがした。
また、日本大百科全書は、現代の前衛には作品概念そのものを攻撃する傾向が根強くあると説明している。これは、作品を静的な対象として見るのではなく、行為、過程、環境、記録、関係、解釈の可能性として捉え直す動きと関係している。
現代の芸術とメディア環境
現代において、芸術の範囲はさらに多様化している。写真、映画、テレビ、ビデオ、コンピュータ、インターネット、ゲーム、人工知能など、新しい技術やメディアは、芸術の制作・流通・鑑賞のあり方を変化させてきた。